Miami Biennale
Miami Biennale Events

ILLUMINATIONS: An Enlightening Exhibition

On view at the Dorissa Building until June 2016



ILLUMINATIONS

Curated By Adriana Herra

In the beginning of the 20th century, it was the electric light irradiating its spectrum that gave birth to the avant garde movements such as Futurism. Later, many artists and movements connected to the modern concept of art with artificial light emerged.

László Moholy-Nagy, a clue figure for the Bauhaus movement, spent almost a decade in the 20’s in the creation of his Light-Space Modulator (1922-1930). Shadows were esential part of the piece. In the early 1940’s Naum Gabo experimented with light reflects on an object, and by the end of this decade Lucio Fontana worked with neon and ultraviolet lights.

At the beginning of the 60's, members of Zero proposed aesthetic experiences arising from the use of real light. By 1965 Carlos Cruz -Diez created his first Chromosaturation. In the 70's, when Walter de Maria installed his Lighting Field, America had already embraced the possibility of using light as a medium itself. Minimalists and conceptualists incorporated it in diverse ways -the first ones denying the sublime dimension, and the second ones using the media to sharpen thoughts.

Illuminations is the first of a cycle of exhibitions dedicated to provoking enlightened dialogues among local and international artist surrounding the James Turrell´s installation, Coconino, 2007, created with the latest LED technology.

This alluring installation, perhaps the closest approximation we have to the spectacle of a sunset, provides its spirit to Illuminations –whose title alludes to Walter Bejamin´s influent book. Paraphrasing him, we reunite art in the age of the most sophisticated artificial light. Illuminations displays multiple ways of inquiries on the implications of the use of electric light in contemporary art.

Carol Prusa draws her pieces with Renaissance techniques, but illuminates them with fiber optics. The luminous architecture that encourages her spherical bodies echoes the interconnectedness of cosmic forms that cover the micro and the macro, and cause the experience of wonder at the beauty of existence.

The rhythmically distributed bright spots evoke the music of the spheres. The luminous sculptures of Ivan Castillo Lagrange also evoke cosmic figures. He can create abstract bodies that rise as totemic figures and that fuse the concretion of metal with subtle irradtiations of light. He can make organic luminuous molecular figures, and almost translucent pieces with plains of colors that produce the illusion of celestial bodies without being lit.

There is another way of approaching cosmic light in Pavel and Suzanne Ouporov’s video, which refers to the symbolism of the tree that sinks its roots deep in the earth, and raises its branches towards the sky. The words that fall from the tree in different languages like a light rain remind us that we all have the same origin and share the extensive soil on the planet.

Cesar Rey’s abstract installation, a white waterfall illuminated by an external light that falls from the ceiling to the floor, has been built with transparent plastic packaging. It is a parable of the possibility of transforming substances toxic to the land into a form of that preserves the balance.The light of

Jhonny Robles’ piece evoques the iridescent imagination of a child: The memory of the excitement that brings forth floating universes in the soap bubbles that are now everlasting. His translucent bodies, made of an experimental material, alter the creation process of painting: Starting from the edge of the Robles frame, he makes his unpredictable three-dimensional shapes emerge, as a subtle coverage of negative space. The unusual volumes of that iridescent "skin" that covers the void suggest the potential hidden in chance.

The works of Lili (ana) and Andres Michelena evoke light with their own materials, and simultaneously pay homage to two iconic figures that expanded their spectrum in art and architecture: Cruz-Diez, master of the spatial use of color and its radiation, and the modernist Luis Barragan. Lili (ana) communicates with the first in one of her installations, built with photographs printed on silk layers that challenge the boundaries between media, and instill the quality of the immaterial to representation. With her wonderful playful skill, Michelena transfers the architectural dialogues between the stone and the light of a second into a play of shadows between transparent "walls" and cites, with fluorescent colored sand, the intense orange and pink of Barragan architecture.

Maria Telleria’s works of light start from the dematerialization of the object. Not only does she use subtle, porous or transparent materials, but also the effect of colorful light of her installations is constructed from the effect of irradiation, the game of the shadows of translucent bodies, or the faded and intangile projection.

This visual illusion that can approach the border of the invisible becomes a metaphor for the impermanence, not only of objects, but also of perception itself. It is also, however, an expression of the changing and inexhaustible sensory experience. She shares with Lili (ana) and with Brookhart Jonquil the destabilizing the border between the visible and the invisible, correlated with modes of displacement of the object of art in space.

In a piece by Jonquil, the revelation occurs in the space between the two objects that cause the experience of light: The lectern of lighting and reflective screen. The work is the beam of light, that can only be seen from certain positions. There is a neo-romanticism in its bright buildings that playfully reflect the relationship between man and the universe, and allude to cosmic mythologies or evoke in a sacred manner, sacred architectures. At the same time, he introduces doubt between reality and its reflection, and takes advantage of uncertainty to prompt the perceptive game of knowing it unstable.I Text by Adriana Herrera

ILLUMINACIONES

Curaduria por Adriana Herrera

En el principio del siglo XX, estuvo la luz eléctrica irradiando un espectro que dio nacimiento a movimientos del avant garde como el futurismo. Después, muchos artistas y movimientos conectados al moderno concepto de arte con luz artificial emergieron. László Moholy-Nagy, figura clave del movimiento Bauhaus, invirtió cerca de una década en la creación de su Light-Space Modulator (1922-1930).

Las sombras eran parte esencial de la pieza. En los tempranos 1940’s Naum Gabo experimentó con la luz reflejada en un objeto y al final de la década Lucio Fontana trabajó con luces neón y ultravioletas. A comienzos de los 60's, miembros del grupo Zero propusieron experiencias estéticas derivadas del uso de la luz real. En 1965 Carlos Cruz -Diez creó su primera Chromosaturation. En los 70's, cuando Walter de Maria instaló su Lighting Field, America había abrazado ya la posibilidad de usar la luz como medio en sí mismo.

Minimalistas y conceptualistas la incorporaron de modos diversos. Los primeros negando su dimensión sublime y los segundos usándola como un medio para afilar el pensamiento. Carol Prusa dibuja sus piezas con tecnicas renacentistas pero las ilumina con fibra óptica. La arquitectura luminosa que anima sus cuerpos esféricos hace eco de la interconectividad de las formas del cosmos que abarcan lo micro y lo macro, y que provocan la experiencia del asombro ante la belleza de cuanto existe. Los puntos luminosos rítmicamente distribuidos evocan la música de las esferas.

Las esculturas lumínicas de Iván Castillo Lagrange también evocan figuras cósmicas. Puede crear cuerpos abstractos que se elevan como figuras totémicas y que fusionan la concreción del metal con sutiles irradiaciones de luz, o figuras modulares luminosas orgánicas, y piezas casi translúcidas con planos de colores que sin estar iluminadas producen la ilusión de cuerpos celestes. Hay otro modo de aproximación cósmica a la luz en el video de Pavel y Suzzane Ouporov que nos remite a la simbología del árbol que hunde sus raíces en la profundidad de la tierra, y eleva sus ramas hacia el cielo. Las palabras que caen del árbol en diversas lenguas como una lluvia de luz, nos recuerdan que todos tenemos un mismo origen y compartimos el extenso suelo del planeta.

La instalación abstracta de César Rey, una cascada blanca iluminada por una fuente de luz externa, que cae del cielo raso hasta el suelo, ha sido construida con empaques de plástico transparente. Constituye una parábola de la posibilidad de transformar las materias tóxicas para la tierra en un modo de arte que preserva el equilibrio.

La luz en la pieza de Jhonny Robles es una evocación de la imaginación iridiscente de un niño: el recuerdo de su emoción de hacer surgir universos flotantes en las burbujas de jabón que ha logrado hacer perdurables. Sus cuerpos translúcidos, hechos de un material experimental, alteran el proceso constructivo de la pintura: partiendo del límite del marco Robles hace surgir sus formas tridimensionales impredecibles como una sutil cobertura del espacio negativo. Los volumenes insólitos de esa “piel” iridiscente que cubre el vacío sugieren la potencialidad del azar.

Las obras de Lili (ana) y Andrés Michelena evocan la luz con su materia propia y simultáneamente rinden homenaje a dos figuras tutelares que expandieron su espectro en el arte y la arquitectura: Cruz-Diez, maestro en el uso espacial del color y sus irradiaciones, y el modernista Luis Barragán.

Lili (ana) dialoga con el primero en una de sus instalaciones construidas con fotografías impresas en capas de seda que extravían los límites entre medios e infunden la cualidad de lo inmaterial a la representación. Con su maravillosa habilidad lúdica Michelena transfiere por su parte los diálogos arquitectónicos entre la piedra y la luz del segundo a un juego de sombras entre “paredes” transparentes y cita, con fluorescente arena de colores, los naranja y rosa intensos de la arquitectura barragiana.Los trabajos de luz de Marisa Telleria parten de la desmaterialización del objeto.

No sólo usa materiales sutiles, porosos o transparentes, sino que el efecto de luz de color de sus instalaciones se construye a partir del efecto de irradiación, del juego de la sombra de cuerpos translúcidos, o de la proyección difuminada e intangile. Esa ilusión visual que puede acercarla a la frontera de lo invisible se transforma en una metáfora de la transitoriedad no sólo de los objetos, sino de la percepción misma; pero también en una expresión de la cambiante e inagotable experiencia sensorial. Comparte con Brookhart Jonquil la desestabilización de la frontera entre lo visible y lo invisible, correlacionada con modos de desplazamiento del objeto de arte en el espacio.

En una pieza de Jonquil la revelación del arte ocurre en el espacio intermedio entre los dos objetos que provocan la experiencia de la luz: el atril de iluminación y la pantalla reflectiva. La obra es el haz luminoso que sólo desde determinadas posturas puede percibirse.

Hay un neo-romanticismo en sus construcciones luminosas que reflejan de modo lúdico la relación entre el ser humano y el universo y aluden a mitologías estelares o evocan de modo fantástico arquitecturas sagradas.

Al tiempo, introduce la duda entre la realidad y su reflejo, y aprovecha la indeterminación para incitar al juego perceptivo sabiéndolo inestable.

Texto por Adriana Herrera

Exhibiting Artists:
(In Alphabetical Order)
Andres Michelena
Brookhart Jonquil
Carol Prusa
César Rey
El Anatsui
Ivan Castillo
James Peterson
James Turrell
Johnny Robles
Lili (ana)
Marisa Telleria
Sue Irion
Sherer + Ouporov

Curated by:
Adriana Herrara

Curatorial Assistance:
Jean-Michael Vissepó

Opening Reception:
Thursday, November 19, 2015
6:00pm-9:00pm

Exhibition will be on view from:
November 21, 2015 - June 2016
by appointment only
Wednesday-Friday
2am-6 pm
Closed weekends

For more info:
+1 (786) 614-5027
Email: info@miamibiennale.org



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